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L’art autochtone à travers le Canada

13
Oct

L’art reflète la société. Cela devient évident lorsque l’on se promène dans une galerie et que l’on voit de grandes peintures sur toile et des sculptures en marbre représentant la chute de Rome, la montée du christianisme, l’âge des ténèbres, le modernisme et plus encore. Et bien qu’il ne soit pas aussi bien exposé, on peut, bien sûr, en dire autant de l’art autochtone. Cela varie énormément du contact préhistorique au contact post-européen jusqu’à aujourd’hui. Il change encore plus d’une région à l’autre du Canada, utilisant différents médiums et décrivant différentes croyances. Nous ne pouvons pas couvrir les centaines de groupes autochtones à travers le pays dans un seul article, mais voici un bref aperçu de la façon dont certains arts autochtones varient au fil du temps et de la distance.

Salish de la côte

Côte ouest

Les premières traces d’œuvres d’art des Salish du littoral datent d’il y a 5 000 ans sous la forme de sculptures – faites d’os, de pierre et de cornes. La plupart des sculptures les plus anciennes représentent des humains et des animaux ou la mythologie. En fait, ces vieilles sculptures sont souvent considérées aujourd’hui comme des ancêtres, plutôt que comme des œuvres d’art inanimées, car chacune reflète une figure et transmet une leçon à travers les générations. Au cours des derniers siècles, cependant, les Salish de la côte sont devenus plus reconnus pour d’autres formes d’art.

Ce qui est peut-être l’un des symboles les plus connus des Salish du littoral est le chapeau de cèdre tissé, qui est parfait pour le climat humide de la Colombie-Britannique, car le cèdre crée un joint étanche et se dilate lorsqu’il devient humide. Chacun des chapeaux inclinés avec son large bord a été rendu unique pour son porteur, ce qui signifie que les gens pouvaient voir qui venait, en fonction de la conception du chapeau.

Bien que les gens associent souvent les mâts totémiques aux groupes autochtones de la côte ouest, les Salish du littoral ne sont pas les créateurs originaux des mâts totémiques que vous voyez habituellement aujourd’hui. Les mâts totémiques ont commencé sur la côte nord-ouest à travers les Haïda, les Tlingit et les Nuxalk, entre autres. Tandis que les Salish du littoral construisaient des poteaux intérieurs dans les maisons, souvent présents dans les maisons longues. Ils représentent généralement des personnes, par opposition aux autres Premières Nations qui sculptent des animaux – certains avec de grands yeux audacieux et d’autres avec des yeux étroits – ou des êtres surnaturels.

Les Salish du littoral ont commencé à sculpter des totems traditionnels dans les années 1920 et 1930, après que la Chambre de commerce de Seattle ait retiré un totem du sud-est de l’Alaska sans consentement et l’ait placé au centre-ville de Seattle. Il est ensuite devenu un symbole de la ville et des répliques ont été ajoutées en Colombie-Britannique et en Alaska. Les Salish du littoral ont commencé à sculpter des mâts totémiques, malgré le fait qu’ils différaient de ce qu’ils créaient habituellement. Les bâtons fabriqués par les Salish du littoral sont souvent plus courts et plus minimalistes que ceux de la côte nord-ouest. Les mâts intérieurs et les mâts totémiques sont souvent créés avec du Western Red Cedar, l’arbre officiel de la Colombie-Britannique.

Métis

Prairies

L’histoire des Métis a fusionné la culture autochtone et française depuis les années 1700. Cette influence est visible à travers les perles et les broderies dont les Métis décorent souvent les vêtements traditionnels. Les motifs floraux ont été présentés aux Métis par des religieuses canadiennes-françaises dans les années 1800 et ont rapidement tout décoré, des mocassins, des mitaines, des ceintures, des sacs, des nappes et même des couvertures et des vestes pour chiens de traîneau. Mais il y a aussi l’influence des autres. Alors que les Cris ont qualifié les Métis de «peuple des fleurs et des perlages », les motifs géométriques observés dans certaines œuvres s’inspirent des motifs que plusieurs Premières Nations des Plaines utilisaient sur les couvertures et les vêtements de tipi. À la fin des années 1800, il existait un marché partout au Canada et aux États-Unis pour les motifs perlés uniques des Métis. Avec la disparition du bison et l’augmentation du nombre de colons européens, les femmes métisses ont commencé à décorer des objets victoriens comme des cadres, des étuis à lunettes et des cartes de vœux qui se vendaient aux touristes. Ces conceptions persistent aujourd’hui avec les Métis des Prairies ainsi que de l’Arctique de l’Ouest.

Anishinaabe

Région des Grands Lacs

Les Anishinaabe sont connus pour de nombreuses formes d’art, y compris les paniers en écorce de bouleau et en frêne, qui comportaient traditionnellement des motifs fabriqués à partir de piquants et de perles de porc-épic. Ces dessins peuvent souvent être considérés comme des motifs floraux sur des mocassins, des vêtements et des sacs à bandoulière.

Mais de nos jours, quand on pense à l’art anishinaabe, un artiste moderne peut venir à l’esprit. L’un des artistes autochtones les plus connus aujourd’hui est Norval Morrisseau, qui a créé les peintures de style Woodlands. Inventant le style dans les années 1950, il reflète la culture anishinaabe de Morrisseau, tout en combinant également les œuvres d’art modernes de son époque. En fait, il est connu comme le «Picasso du Nord» et le «grand-père de l’art autochtone contemporain». Les peintures de style boisé sont vibrantes avec des lignes noires audacieuses qui représentent des personnes, des animaux et des animaux sauvages. Une grande partie est réalisée dans des vues aux rayons X, ce qui est par coïncidence similaire au style d’art aux rayons X réalisé par les Australiens aborigènes. L’œuvre de Morrisseau est influencée par l’histoire et les légendes que lui a enseignées son grand-père chaman Moses Potan Nanakonagos. Morrisseau a commencé à peindre sur de l’écorce de bouleau, qui est une toile de fond traditionnelle pour les œuvres d’art anishinaabe. Cependant, les artistes ont ensuite repris le style Woodlands avec l’acrylique, la gouache et l’aquarelle sur papier, panneaux de bois et toile.

Inuits

Arctique de l’Est

Il existe cinq formes distinctes d’art inuit canadien : pré-dorset, dorset, thulé, historique et contemporain. Étant donné que l’art pré-dorset a près de 5 000 ans, peu d’artefacts ont survécu, mais il y en a, comme des têtes de harpon et des lances en pierres lithiques. La culture Dorset a commencé à évoluer entre 500 et 700 av. Il en existe plusieurs autres similaires et bien que leur objectif soit pour la plupart inconnu, la taille et le matériau dont ils sont faits sont souvent les mêmes. Des têtes de harpon existent également à partir de cette époque, mais ont la forme d’ours et de faucons et imitent des thèmes surnaturels.

Alors que le climat devenait plus froid dans les années 1500 et que les Européens exploraient l’Arctique, l’art inuit a commencé à changer. Une grande partie des sculptures rappelaient ses thèmes surnaturels et représentaient plutôt des outils et des armes – seul le travail était plus détaillé, car il devenait moins fonctionnel et était plus un souvenir pour les colons dans les années 1920. Dans les années 1900, les sculptures en stéatite et en ivoire ont été les premières œuvres d’art à être mises en vente dans le sud. Les sculptures jouent encore un grand rôle dans l’art inuit aujourd’hui.

Cependant, dans les années 1950, la gravure a été introduite à Cape Dorset, qui a produit des artistes célèbres tels que Kenojuak Ashevak et Pudlo Pudlat. Leur travail a honoré des timbres canadiens et s’est vendu aux enchères pour des milliers de dollars. Ces dessins, à la fois en couleur et en noir et blanc, représentent tout, des animaux de l’Arctique, des modes de vie traditionnels et des légendes à la vie et aux véhicules modernes.

La galerie d’art inuit Nanook partage le travail de Qavavau Manumie :

 

Bien qu’il ne s’agisse que d’un aperçu de l’art autochtone, bon nombre des formes les plus connues montrent que la tradition et la culture ont joué et continuent de jouer un rôle dans l’art partout au Canada.

 

Bibliographie

  • https://www.thecanadianencyclopedia.ca/en/article/aboriginal-art-in-canada
  • https://www.burkemuseum.org/collections-and-research/culture/contemporary-culture/coast-salish-art/historical-coast-salish-art#:~:text=Works%20of%20art%20in%20the,in%20antler%2C%20bone%20and%20stone.
  • https://www.narrativethreads.ca/explorer-explore/chapeau_en_cedre_tisse-woven_cedar_hat.html
  • http://www.Métismuseum.ca/media/document.php/00715.BeadworkQuillworkEm.pdf
  • https://www.native-art-in-canada.com/woodlandart.html
  • https://www.historymuseum.ca/blog/tyara-maskette/
  • https://indigenouspeoplesatlasofcanada.ca/article/material-culture/